Breve panoramica sulle radici del progressive rock.
Il Progressive Rock non è nato dal nulla, ma è stato il risultato di una collisione creativa senza precedenti. Tra la fine degli anni '60 e l'inizio dei '70, una generazione di musicisti eclettici ha deciso che il formato della "canzone da tre minuti" era troppo stretto. Venivano dal blues, dal jazz, dai conservatori o dalle cantine della psichedelia londinese, e avevano un obiettivo comune: trasformare il rock in una forma d'arte totale. Quello che segue è un breve viaggio alle origini dei giganti che hanno ridefinito i confini della musica, partendo dai loro primi, timidi (o audaci) passi.
1.Emerson, Lake & Palmer: Il Supergruppo dalle radici diverse
Prima di unirsi, i tre erano già delle piccole stelle in contesti molto differenti.
• Keith Emerson (The Nice): Con i The Nice, Keith stava già fondendo musica classica e rock.
• Brano emblematico: Rondo (1967). Qui senti già l’organo Hammond trattato come uno strumento d'assalto e le citazioni di Mozart e Bach.
• Greg Lake (King Crimson): Prima di ELP, Lake era la voce angelica e il bassista del primo, fondamentale album dei King Crimson.
• Brano emblematico: 21st Century Schizoid Man (1969). L'urlo primordiale del prog.
• Carl Palmer (The Crazy World of Arthur Brown): Giovanissimo, batteva le pelli per il "dio del fuoco infernale".
• Brano emblematico: Fire (1968). Un'energia teatrale e ritmica che avrebbe portato con sè negli ELP.
2. Genesis: I ragazzi della Charterhouse
A differenza di altri, i Genesis sono nati quasi "in provetta" a scuola, ma il loro esordio era molto diverso dal prog pastorale che conosciamo.
• Peter Gabriel, Tony Banks, Mike Rutherford, Anthony Phillips: Iniziarono come autori di canzoni pop influenzati dai Bee Gees sotto l'ala del produttore Jonathan King.
• Brano emblematico: The Serpent (1969), dall'album From Genesis to Revelation. Nonostante la produzione pop, si sentono già le trame epiche e i testi biblico-mitologici che esploderanno in Trespass.
3. Yes: Armonie vocali e Jazz-Rock
Gli Yes non sono nati subito "spaziali"; inizialmente erano una band che faceva cover molto elaborate.
• Jon Anderson & Chris Squire (The Mabel Greer's Toyshop): Questa era la band pre-Yes dove iniziarono a sperimentare le armonie vocali complesse.
• Brano emblematico: Beyond and Before (1969). Il basso di Squire è già "cingolato" e aggressivo, un marchio di fabbrica del genere.
• Steve Howe (Tomorrow): Prima di sostituire Peter Banks negli Yes, Howe era un eroe della psichedelia londinese.
• Brano emblematico: My White Bicycle (1967).
4. Pink Floyd: Dalla Psichedelia allo Spazio
Prima di The Dark Side of the Moon, i Floyd erano i re dell'UFO Club guidati dal genio fragile di Syd Barrett.
• Syd Barrett, Waters, Wright, Mason: Erano una band di R&B (The Tea Set) trasformata in un laboratorio sonoro.
• Brano emblematico: Interstellar Overdrive (1967). Qui non c'è più il blues, c'è l'esplorazione pura delle strutture libere che definirà il prog spaziale.
5. Jethro Tull: Il Blues che diventa Barocco
Ian Anderson non ha iniziato con il flauto traverso "folk", ma con un blues molto sporco.
• Ian Anderson & Mick Abrahams: Nei primi giorni erano una band di British Blues.
• Brano emblematico: A Song for Jeffrey (1968). Senti l'armonica blues che lotta con i primi accenni di quel flauto saltellante che diventerà l'icona del prog-folk.
6. Gentle Giant: L'eredità dei Simon Dupree
Questa è forse la trasformazione più incredibile. I fratelli Shulman erano delle pop-star radiofoniche!
• I fratelli Shulman (Simon Dupree and the Big Sound): Facevano pop psichedelico di successo.
• Brano emblematico: Kites (1967). Un pezzo pop molto atmosferico, ma i fratelli odiavano essere limitati da quel formato. Lo scioglimento della band portò alla nascita dei Gentle Giant per "creare musica senza compromessi".
Citazione: C’è da dire, però, che tutti questi ragazzi avevano una formazione accademica o jazzistica. Non erano "autodidatti del garage" nel senso stretto; studiavano i classici (Stravinsky, Holst, Bach) e cercavano di capire come inserire quelle strutture 4/4 in tempi dispari come 5/4 o 7/8.
7. Van der Graaf Generator: L'esistenzialismo di Peter Hammill
Prima di diventare i "profeti oscuri" del prog, i VDGG erano quasi un progetto solista di Peter Hammill, nato tra le mura dell'Università di Manchester.
• Peter Hammill: Inizialmente influenzato dal cantautorato più colto e dal rhythm & blues, Hammill cercava un modo per unire la parola poetica a un suono che fosse "fisico".
• Brano emblematico: Afterwards (1969). Nell'omonimo album di debutto (che doveva essere un disco solista di Hammill), si sente già quella tensione nervosa e quella voce che passa dal sussurro al grido.
• Judge Smith: Fu il co-fondatore insieme a Hammill. La sua visione teatrale e bizzarra diede l'imprinting alla band prima che il sax dissonante di David Jackson (che veniva da esperienze jazz e militari) definisse il loro suono unico, privo di chitarra elettrica solista.
8. Renaissance: Dalle ceneri degli Yardbirds
Questa è una delle storie più affascinanti: come si passa dal blues-rock che ha generato Eric Clapton e Jimmy Page alla musica da camera?
• Keith Relf & Jim McCarty: Erano rispettivamente il cantante e il batterista degli Yardbirds. Stanchi del volume assordante e dei tour frenetici, decisero di sciogliere la band per formare qualcosa di radicalmente diverso, unendo musica classica, folk e jazz.
• Brano emblematico: Kings and Queens (1969). Se ascolti questo brano dal loro primo album omonimo, senti subito il clavicembalo e le citazioni di Beethoven. È il momento esatto in cui il rock si siede al pianoforte a coda.
• Annie Haslam: Entrerà poco dopo (nel 1971) per sostituire Jane Relf, portando quella voce da cinque ottave che diventerà il marchio di fabbrica del "Prog Sinfonico" per eccellenza.
9. Camel: Il Lirismo del Blues che diventa Sinfonia
I Camel non cercavano lo scontro sonoro o la complessità fine a se stessa; la loro missione era la creazione di paesaggi sonori quasi cinematografici, partendo da una solida base blues e jazz-rock.
• Andrew Latimer & Peter Bardens (The Brew / Shotgun Express): Prima di fondare i Camel, Latimer militava nei The Brew, un trio orientato al blues. L'incontro con il tastierista Peter Bardens (che aveva suonato con Van Morrison e nei Shotgun Express insieme a un giovane Mick Fleetwood) fu la scintilla definitiva.
• Brano emblematico: Never Let Go (1973). Contenuto nel loro album di debutto, questo brano mostra perfettamente la transizione: la chitarra di Latimer ha ancora un'anima blues, ma la struttura si espande in intrecci di tastiere che anticipano i concept album strumentali come The Snow Goose.
• Il marchio di fabbrica: La chitarra di Latimer, capace di "cantare" con un sustain infinito, e l'uso del flauto traverso portarono una delicatezza pastorale che divenne un punto di riferimento per tutto il movimento neo-prog degli anni '80.
10. Le radici dei King Crimson
Curiosità
Mentre i Renaissance usavano il pianoforte per elevare il rock a una forma di "arte superiore" quasi celestiale, i Van der Graaf Generator usavano l'organo e il sax per scavare nell'abisso della psiche umana. Due modi opposti di usare maestria tecnica.
Ed ancora, i Camel rappresentano l'anima più lirica e sognante del genere. Spesso definiti i "Pink Floyd del prog" per la loro capacità di creare atmosfere dilatate, si distinguono per un gusto melodico impeccabile e per l'assoluta assenza di narcisismo tecnico: ogni nota è al servizio dell'emozione.
Mentre i Camel, appunto, puntavano sulla melodia e l'atmosfera, i Van der Graaf Generator rappresentavano l'opposto polare: l'irrequietezza e il caos controllato. È affascinante notare come, nello stesso periodo, il "Prog" potesse significare sia il paradiso melodico di Latimer che l'inferno esistenziale di Hammill.
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