Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo IX°) Part. V° (Germania) Zomby Woof

 

Chiudiamo in bellezza la nostra cinquina tedesca con una delle formazioni più eclettiche e brillanti di tutto il prog teutonico di fine anni '70: i Zomby Woof.

Prendendo il nome da un celebre brano di Frank Zappa, la band dà vita nel 1977 al suo unico e straordinario album in studio, "Riding on a Tear" (pubblicato per la Jupiter Records), un lavoro che sintetizza in maniera impeccabile il prog sinfonico anglosassone, il symphonic rock alla Gentle Giant e ritmiche decisamente più moderne e dinamiche.

Rubrica: Storie delle prog band minori: Zomby Woof

Nel 1977, mentre il mondo musicale assisteva alla nascita del punk e della disco music, cinque talentuosi musicisti del Baden-Württemberg unirono le forze per regalare agli appassionati una perla di rara raffinatezza compositiva. L'album "Riding on a Tear" dei Zomby Woof rappresenta un perfetto punto d'incontro tra la scuola sinfonica britannica (Yes, Genesis e Gentle Giant) e la consueta concretezza esecutiva del rock tedesco.

Caratterizzato da arrangiamenti stratificati, controcanti elaborati, fughe di tastiera e continui cambi di tempo, il disco brilla per freschezza, energia e una produzione sorprendentemente pulita per l'epoca.

Architetture polifoniche e ricchezza strumentale

La vera forza dei Zomby Woof risiede nella straordinaria preparazione tecnica dei suoi membri e nell'uso magistrale dei sintetizzatori e del Clavinet. La formazione vedeva Ulrich Herter alla voce, chitarre acustiche ed elettriche e sintetizzatori, Heinrich Winter alla voce, chitarre ed un vibrante Hohner D6 Clavinet, Matthias Zumbroich ad un arsenale di tastiere sconfinato (gran coda, organo Hammond, Minimoog, String-ensemble, Mellotron, piano elettrico) e sax, Udo Kreuß al basso e Berthold Maier alla batteria, percussioni e tamburello.

Gli intrecci vocali a due voci tra Herter e Winter, abbinati ai ricami di sintetizzatore e Minimoog di Zumbroich, creano un sound variopinto che spazia con naturalezza dal rock sinfonico più classico a divagazioni dal sapore quasi pop-prog sofisticato.

Riding on a Tear (1977): Un viaggio tra sinfonismo ed energia

L'album originale si sviluppa lungo un percorso avvincente e privo di punti deboli:

Introduction, Suicide e Riding on a Tear: Dopo l'atmosferica apertura di Introduction, Suicide mette subito in chiaro le intenzioni della band: un brano ritmato, ricco di stacchi di synth e riff di chitarra. La title-track Riding on a Tear è un capolavoro di melodia e dinamica, condito da splendide armonie vocali e parti di pianoforte di altissima scuola.

Requiem (Part I & Part II) e Dora's Drive: Il Requiem, diviso in due parti, mostra la vena più solenne e drammatica del gruppo, con il Mellotron e le tastiere a stendere un tappeto sonoro maestoso. Dora's Drive, la traccia più lunga del vinile originale con i suoi quasi nove minuti, è una suite spettacolare che mette in mostra la duttilità di tutta la band tra fughe strumentali e cambi di ritmo serrati.

Mary Walking Through the Woods ,Walking Through the Woods e Finale: Il viaggio sonoro si completa con queste due tracce speculari e suggestive, ricche di ricami acustici, sax e atmosfere sognanti prima dell'ironico e brevissimo Finale. Nelle edizioni successive su CD, il disco si è arricchito anche di preziosi brani bonus come Dora's Drive, Mary Walking Through The Woods, Highwire Dance e Back Home.

Il lascito di una perla di fine anni '70

Nonostante le enormi potenzialità e un album acclamato dalla critica, i Zomby Woof non riuscirono a trovare la continuità necessaria per proseguire la propria avventura discografica, arrivando allo scioglimento poco tempo dopo. Alcuni dei suoi membri, tra cui Ulrich Herter, avrebbero poi proseguito la propria carriera come produttori e compositori nell'industria musicale tedesca.

"Riding on a Tear" rimane una testimonianza sfolgorante di quanto il rock progressivo tedesco avesse ancora da dire sul finire del decennio: un disco brillante, dinamico e tecnico che chiude in modo perfetto la nostra cinquina teutonica.

Con i Zomby Woof anche la nona cinquina (dedicata alla Germania con Ikarus, Twenty Sixty Six And Then, Neuschwanstein, Minotaurus e Zomby Woof) è completa. Appuntamento alla prossima cinquina. 

Precedente: Capitolo IX° (Part. IV°) Minotaurus (Germania)

Successivo: Capitolo X° (Part. I°) Atlas (Svezia) Work in Progress

Un Primo Ascolto: Quì

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo IX°) Part. IV° (Germania) Minotaurus

 

Dal romanticismo genesisiano dei Neuschwanstein ci immergiamo ora nelle atmosfere più ombrose, mitologiche ed epiche del prog teutonico di fine anni '70. La quarta tappa della nostra cinquina tedesca ci porta a scoprire i Minotaurus e il loro unico, affascinante album d'esordio del 1978: "Fly Away".

Rubrica: Storie delle prog band minori: Minotaurus

Nel 1978, una formazione proveniente dalla Renania Settentrionale-Vestfalia decide di consegnare alla storia del rock progressivo un'opera dal sapore cupo, teatrale e fortemente suggestivo. I Minotaurus danno alle stampe l'album "Fly Away", un lavoro autofinanziato e autoprodotto diventato negli anni un vero e proprio oggetto di culto per i collezionisti di rarità teutoniche.

In questo LP si intrecciano riff di chitarra d'impostazione folk-hard rock, tappeti di tastiere calde ed evocative e una linea vocale teatrale e drammatica.

Corde intrecciate e declamazioni epiche

A differenza di molti gruppi del periodo dominati esclusivamente dai sintetizzatori, il sound dei Minotaurus basa gran parte della propria forza sull'intreccio di due chitarre e su una sezione ritmica quadrata ed espressiva. La line-up vedeva Michael Helsberg alle chitarre, Ludger "Lucky" Hofstetter alle chitarre, Ulli Poetschulat alla batteria, Bernd Maciej al basso, Peter Scheu alla voce solista e Dietmar Barzen alle tastiere.

Il cantato di Peter Scheu, caratterizzato da un timbro profondo e declamatorio, dona ai brani una forte connotazione narrativa, quasi fiabesca e teatrale, sorretta dalle trame d'organo di Barzen e dai continui botta e risposta tra le chitarre di Helsberg e Hofstetter.

Fly Away (1978): Tra oscurità, melodia e suite epiche

L'album si sviluppa lungo sette tracce per oltre 42 minuti di viaggio sonoro:

7117 e Your Dream: L'apertura con 7117 mostra subito la personalità del gruppo: un brano introspettivo guidato da arpeggi acustici, organo e improvvise accelerate rock. Your Dream prosegue su ritmi sognanti ma malinconici, mettendo in risalto la profonda espressività vocale di Scheu.

Lonely Seas e Highway: Due tracce più immediate e snelle. Lonely Seas regala atmosfere intimiste ed eteree, mentre Highway punta su un groove più ruvido e dinamico in cui le chitarre elettriche prendono il sopravvento.

Fly Away, The Day the Earth Will Die e Sunflowers: La suite Fly Away, con i suoi oltre tredici minuti, rappresenta il vertice assoluto dell'opera. Un lungo affresco sonoro ricco di cambi di tempo, assoli di chitarra ispirati, pause liriche ed esplosioni strumentali. Il disco si avvia alla fine con la visione apocalittica di The Day the Earth Will Die e si chiude con la delicata Sunflowers.

Un'unica impronta nel labirinto del prog

Proprio come la creatura mitologica da cui hanno preso il nome, i Minotaurus sono rimasti avvolti nel mistero e nella leggenda: l'assenza di un supporto discografico importante e la scarsa distribuzione dell'epoca portarono la band a sciogliersi poco dopo l'uscita dell'album.

"Fly Away" rimane un piccolo gioiello nascosto del prog tedesco di fine anni '70: un album affascinante, genuino e malinconico che merita senza dubbio di essere riscoperto.

Precedente: Capitolo IX° (Part. III) Neuschwanstein (Germania)

Successivo: Capitolo IX° (Part. V°) Zomby Woof (Germania)

Un Primo Ascolto: Quì

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo IX°) Part. III° (Germania) Neuschwanstein

 

Dall'hard-prog viscerale dei Twenty Sixty Six And Then ci spostiamo su sonorità decisamente più romantiche ed eteree. Se c'è una band tedesca capace di incarnare la quintessenza del prog sinfonico di matrice genesisiana, quella è senza dubbio i Neuschwanstein.

Rubrica: Storie delle prog band minori: Neuschwanstein

Nel 1979, quando il punk e la new wave stavano spazzando via le imponenti strutture del rock progressivo classico, una band proveniente dalla Saarland decise di andare controcorrente dando alla luce un autentico capolavoro sinfonico: "Battlement". I Neuschwanstein (nome ispirato al celebre castello fiabesco della Baviera) firmarono per la Rittenhouse Records un disco intriso di magia, sogni e trame orchestrali di rara bellezza.

Un album dove delicatezza acustica, flauti incantati ed esplosioni di sintetizzatore si fondono con una grazia che rimanda ai momenti più poetici di Genesis e Camel.

Sinfonismo pastorale e gusto d'altri tempi

La forza di Battlement risiede nella straordinaria coesione della formazione e nel colore timbrico garantito da un'impostazione polistrumentale ricchissima. Il gruppo vedeva Frédéric Joos alla voce solista e chitarre acustiche, Roger Weiler alle chitarre, Thomas Neuroth alle tastiere, Klaus Mayer a flauti e sintetizzatori, Rainer Zimmer al basso e cori (voce solista sulla title-track), e Hans-Peter Schwarz alla batteria. Un dettaglio curioso riguarda proprio il brano d'apertura, che vede la partecipazione speciale di Hermann Rarebell (famoso batterista degli Scorpions) alle percussioni.

La voce di Joos, calda e incredibilmente vicina al timbro di Peter Gabriel, si adagia su un tappeto sonoro dominato dal flauto di Mayer e dai ricami di tastiera di Neuroth, creando un'atmosfera sognante e senza tempo.

Battlement (1979): Un viaggio fiabesco in sei capitoli

L'album si snoda attraverso composizioni fluide e mai pretenziose, capaci di alternare momenti lirici ad aperture strumentali imponenti:

Loafer Jack e Ice with Dwale: L'attacco di Loafer Jack mostra il lato più ritmato e incisivo della band, guidato dalla batteria di Rarebell. Con Ice with Dwale ci si addentra invece in atmosfere sospese, dove il flauto e la chitarra acustica stendono trame bucoliche di grande suggestione.

Intruders and the Punishment e Beyond the Bugle: Due vette del disco. Tra fughe di sintetizzatore, arpeggi di chitarra ed entrate di flauto, la band dimostra un senso della composizione maturo, capace di toccare picchi d'emozione pura.

Battlement e Zärtlicher Abschied: La seconda metà del vinile tocca il vertice con la maestosa title-track (cantata da Rainer Zimmer) e si chiude con la struggente ed eterea Zärtlicher Abschied, perfetto congedo strumentale dal sapore malinconico.

Nella successiva riedizione in CD è stato aggiunto il brano: Midsummer Day (7:42)

I capitoli collaterali della storia

Sebbene Battlement sia rimasto il loro unico album ufficiale negli anni '70, la discografia dei Neuschwanstein si è arricchita nel tempo di altri due importanti tasselli:

Alice in Wonderland (1976 / pubblicato in seguito): Un'opera concettuale registrata originariamente come nastro dimostrativo prima del debutto, ispirata alla celebre fiaba di Lewis Carroll e caratterizzata da sonorità interamente strumentali, acerbe ma ricche d'atmosfera.

Fine Art (2016): Il ritorno discografico a distanza di decenni firmato dal tastierista Thomas Neuroth, un lavoro ambizioso e moderno orientato verso il rock sinfonico con forti innesti di musica classica e flauto.

"Battlement" resta tuttavia il capolavoro insuperato dei Neuschwanstein: una meravigliosa cattedrale sonora che rappresenta una delle pagine più poetiche dell'intero rock progressivo europeo.

Precedente: Capitolo IX° (Part. II°) Twenty Sixty Six and Then (Germania)

Successivo: Capitolo IX° (Part. IV°) Minotaurus (Germania)

Un Primo Ascolto: Quì

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo IX°) Part. II° (Germania) Twenty Sixty Six and Then

 Twethy six sixth and Then - Reflections on the Future (1972)

Dalla furia jazz-rock degli Ikarus rimaniamo nel primissimo scorcio degli anni '70 per incontrare una formazione che ha saputo fondere l'impatto ruvido dell'hard-rock alla maestosità sinfonica del prog anglo-tedesco: i Twenty Sixty Six and Then.

Il loro unico e leggendario album d'esordio del 1972, "Reflections on the Future"(pubblicato per la celebre etichetta United Artists Records), rappresenta un capolavoro assoluto di potenza, tecnica e stratificazione. 

Rubrica: Storie delle prog band minori: Twenty Sixty Six and Then

Nel 1972, a Mannheim, prende forma un sestetto unico nel suo genere, capace di erigere un vero e proprio "muro del suono". I Twenty Sixty Six and Then firmano con "Reflections on the Future" un album esplosivo, in cui l'aggressività delle chitarre e le fughe d'organo tipiche del sound proto-prog si fondono con le dilatazioni cosmiche e psichedeliche della scuola germanica.

Un disco viscerale, potente e al contempo virtuosistico, dominato da una presenza vocale carismatica e da un assetto strumentale d'impatto devastante.

L'arsenale a tastiera doppia e l'impronta britannica

La vera cifra distintiva della band risiedeva nella presenza contemporanea di ben due tastieristi di primissimo ordine e di un cantante britannico di razza. La formazione vedeva Geff Harrison alla voce solista, Gerhard Mrozeck alle chitarre (elettrica ed acustica) e cori, Steve Robinson ad un arsenale di tastiere (organo, piano elettrico, synth, Mellotron, vibrafono e cori), Veit Marvos (organo, pianoforte, piano elettrico, Mellotron, percussioni e cori), Dieter Bauer al basso e Konstatin Bommarius alla batteria.

Il continuo dialogo tra i due tastieristi - capaci di sovrapporre tappeti di Mellotron a sferzanti riff di organo e vibrante vibrafono - trovava una valvola di sfogo perfetta nei graffi di chitarra di Mrozeck e nella voce ruvida, potente e d'ispirazione hard-rock di Geff Harrison.

Reflections on the Future (1972): Un viaggio tra rabbia e visione

L'album si snoda attraverso cinque composizioni tese ed energiche che non concedono pause:

At my Home: L'apertura è un attacco diretto. Riff granitici di chitarra e organo distorto sorreggono la voce graffiante di Harrison, impostando subito ritmi serrati e cambi di tempo imprevedibili.

Autumn e Butterking: Due brani di straordinaria ampiezza dinamica. In Autumn le atmosfere malinconiche introdotte dal Mellotron e dal pianoforte sfociano in un crescendo sinfonico d'impatto drammatico, mentre Butterking sfoggia un groove ritmico travolgente arricchito da fughe di tastiera quasi jazzate.

Reflections on the Future e How do you feel: La title-track è una suite monumentale di oltre sedici minuti, vero e proprio cuore pulsante dell'opera. Tra digressioni psichedeliche, assoli virtuosistici, esplosioni hard-rock e dilatazioni sonore, la band tocca il suo apice compositivo prima di chiudere il vinile con la più breve e sferzante How do you feel.

Un'impronta indelebile nel rock teutonico

Nonostante la qualità eccelsa del materiale e l'accoglienza entusiastica da parte degli appassionati del settore, problemi di gestione e divergenze interne portarono allo scioglimento della band poco dopo la pubblicazione. Molti dei suoi membri avrebbero poi alimentato altri progetti di spicco della scena tedesca (come Emergency, Eloy e Achor).

"Reflections on the Future" dei Twenty Sixty Six and Then resta una pietra miliare incandescente: un album muscolare, affascinante e ricco di sfumature che merita un posto d'onore in ogni collezione di rock progressivo.

Precedente: Capitolo IX° (Part.I°) Ikarus (Germania)

Successivo: Capitolo IX° (Part. III°) Neuschwanstein (Germania)

Un Primo Ascolto: Quì

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo IX°) Part. I° (Germania) Ikarus

Dedichiamo questa  IX cinquina interamente alla Germania e ad alcune opere straordinarie delle sue prog band minori. 

Tuffiamoci subito nella scena tedesca degli anni '70. Se da un lato il Krautrock dominava le avanguardie, la Germania ha saputo regalare anche perle di rarissima fattura tra prog sinfonico, hard-prog e contaminazioni jazz-rock d'altissimo livello.

Iniziamo la nona cinquina con gli Ikarus e il loro folgorante debutto del 1971.

Rubrica Storie delle prog band minori: Ikarus

Nel 1971, mentre in Germania occidentale divampava la rivoluzione psichedelica e cosmica del Krautrock, una formazione di Amburgo decise di percorrere una strada ben diversa, fondendo l'aggressività dell'hard-rock a trame jazz-prog complesse e ricche di fiati. Quella band prese il nome di Ikarus e il loro omonimo album d'esordio, pubblicato per la mitica etichetta Plus, rimane uno dei dischi più potenti, virtuosi e sottovalutati del primo panorama progressivo tedesco.

Un'opera energetica e scura, in cui maestosi arrangiamenti di fiati si incastrano su organo Hammond, ritmiche serrate e linee vocali grintose.

Eclettismo sonoro e potenza polistrumentale

Ciò che colpisce nell'unico lavoro degli Ikarus è la capacità di bilanciare la ruvidità tipica della scena tedesca del periodo con una classe negli arrangiamenti d'ispirazione britannica (con forti echi di Colosseum e Van der Graaf Generator). La formazione vedeva Lorenz Köhler alla voce solista, Wolfgang Kracht al basso e cori, Jochen Petersen ad un impressionante arsenale di fiati e chitarre (chitarra acustica ed elettrica, sax contralto e tenore, flauto, clarinetto e cori), Bernd Schröder a batteria e percussioni, Manfred Schulz a chitarra, cori e voce solista su una traccia, e Wulf-Dieter Struntz a organo Hammond e pianoforte.

Il dialogo tra il sax di Petersen, l'organo di Struntz e le risposte di chitarra crea una tensione costante che sorregge l'interpretazione vocale potente ed espressiva di Köhler.

Ikarus (1971): Un viaggio in quattro suite tra jazz e rock sinfonico

L'album si snoda attraverso quattro composizioni di lunga durata che lasciano ampio spazio all'improvvisazione e alla dinamica:

Eclipse (Skyscrapers / Sooner or later): Suite monumentale di oltre quindici minuti che apre il vinile in modo travolgente. Un inizio cupo guidato dall'organo sfocia in una cavalcata ritmica sorretta da sax sferzanti, cambi di tempo improvvisi e un cantato di grande impatto.

Mesentery e The raven (include "Theme for James Marshall"): La prima traccia mostra un lato più viscerale e ritmato, mentre la lunga The raven tocca vertici di drammaticità lirica. Qui il flauto e il clarinetto di Petersen creano atmosfere ombrose e psichedeliche, per poi esplodere in una progressione strumentale di rara potenza.

Early bell's voice: Il brano di chiusura vedeva Manfred Schulz alla voce solista, guidando un pezzo più sognante ed etereo dove chitarre acustiche e pianoforte si intrecciano prima del gran finale orchestrale.

Volo breve ma indimenticabile

Proprio come il personaggio mitologico da cui presero il nome, gli Ikarus vissero una parabola brevissima: le difficoltà della piccola etichetta discografica e la mancanza di promozione portarono lo scioglimento prematuro del gruppo poco dopo l'uscita del disco.

Il loro omonimo "Ikarus" resta una gemma incandescente e imprescindibile, un ponte perfetto tra l'hard-prog anglosassone e la sperimentazione teutonica dei primi anni '70.

Prefazione

Precedente: Capitolo VIII° (Part.VI°) Corte dei Miracoli (Italia)

Successivo: Capitolo IX° (Part. II°) Twenty Sixty Six and Then (Germania)

Un Primo Ascolto: Quì

Broken Springs - Hidden Door 2026 (Ungheria)

 

Il debutto dei Broken Springs, intitolato Hidden Door, si presenta fin dal primo ascolto come un’opera di rara coerenza viscerale e raffinatezza compositiva. Nel panorama contemporaneo del progressive rock, spesso incline a un tecnicismo sterile o a una stancante nostalgia anni '70, il collettivo ungherese sceglie una via diversa e decisamente più coraggiosa: quella dell’emotività pura legata alla forma canzone evoluta.

Un’architettura sonora tra intimità e maestosità

L'album non cerca mai il virtuosismo fine a se stesso; la perizia tecnica dei musicisti - tutti professionisti con anni di esperienza alle spalle - è costantemente messa al servizio dell'atmosfera. Hidden Door funziona proprio come suggerisce il titolo: una porta socchiusa su stanze sonore inaspettate, dove momenti rarefatti e acustici sfociano improvvisamente in aperture sinfoniche di grande impatto drammatico.

La fusione tra stilemi classici del prog (archi sintetizzati, tempi dispari mai ostentati, tessiture di tastiere avvolgenti) e sonorità contemporanee (chitarre dal timbro moderno, una sezione ritmica asciutta e profonda) dona al disco una freschezza dinamica notevole. Ogni traccia respira, lasciando che siano il silenzio e la variazione di volume a guidare la tensione emotiva.

La presenza carismatica di Madeline Besson

Elemento di rottura ed autentico valore aggiunto dell'album è l'innesto della cantante francese Madeline Besson (nota anche per il progetto Molly Moonshine). La sua vocalità non si adegua ai cliché del progressive metal o del prog sinfonico tradizionale:

 Timbro e interprete: Possiede un colore caldo, sfaccettato e profondo, capace di passare da un sussurro intimo e malinconico a vette d'estensione graffianti ed evocative.

 Identità sonora: La combinazione tra la matrice strumentale mitteleuropea dei Broken Springs e l'espressività di stampo chiaramente europeo-occidentale di Besson crea un contrasto magnetico che diventa il vero marchio di fabbrica di Hidden Door.

I punti di forza del disco

1. Gestione delle dinamiche: I pezzi non risultano mai prevedibili. Le strutture ampie ed elaborate non appesantiscono l'ascolto grazie a un bilanciamento continuo tra melodie immediate ed espansioni strumentali.

2. Produzione indipendente pulita ed organica: Pur trattandosi di un'autoproduzione, il suono è fluido, arioso e privo di quella compressione eccessiva che spiana la resa dinamica nelle produzioni moderne.

3. Forte spinta melodica: Nonostante la complessità degli arrangiamenti, i temi melodici rimangono impressi fin dai primi ascolti, rendendo l'opera accessibile anche a chi non frequenta abitualmente i territori del prog.

CONCLUSIONE

Hidden Door è un debutto maturo e rigenerante per la scena progressive europea. I Broken Springs dimostrano che è ancora possibile fare rock progressivo mettendo l'anima e il sentimento al centro del progetto, senza rimanere ostaggio del passato o cedimenti auto-celebrativi. Un album ideale per chi cerca musica d'atmosfera, ricca di dettagli da svelare ascolto dopo ascolto.

Tracce consigliate: Le composizioni più estese del disco, dove il dialogo tra la voce di Madeline Besson e i crescendo strumentali della band raggiunge la massima espressività.

Un ascolto imprescindibile. Quì

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo VIII°) Part. VI° (Italia) Corte dei Miracoli

 

Rubrica Storie delle prog band minori: Corte dei Miracoli 

Per questa tappa dedicata al prog italiano è d'obbligo fare un'eccezione alla regola: aggiungere un contenuto bonus speciale dedicato a una band che si lega in maniera viscerale e perfetta alle altre cinque protagoniste della selezione. Parliamo della Corte dei Miracoli, formazione ligure che nel 1976 diede alle stampe per la GDM il suo omonimo capolavoro d'esordio, firmando una delle testimonianze più eleganti e travolgenti dell'intero panorama nazionale.

Con un suono dominato da un virtuosismo mai fine a sé stesso e un doppio intreccio di tastiere da capogiro, il gruppo rappresenta il coronamento ideale di questo viaggio nel prog nostrano.

Il marchio di fabbrica: Doppie tastiere e dinamismo lirico

La caratteristica distintiva della Corte dei Miracoli risiede nella presenza di ben due tastieristi di formazione classica, capaci di creare una muraglia sonora imponente e raffinata. La lineup vedeva Graziano Zippo alla voce solista, Alessio Feltri e Riccardo Zegna alle tastiere, Gabriele Siri al basso e Flavio Scogna alla batteria e percussioni (con la partecipazione speciale di Vittorio De Scalzi dei New Trolls alla chitarra nel primo brano e al missaggio).

L'assenza di una chitarra di ruolo nella formazione base viene brillantemente compensata dal dialogo perenne tra pianoforte, organo Hammond e sintetizzatori, sostenuti da una sezione ritmica rocciosa e dalla voce drammatica e potente di Zippo.

Corte dei Miracoli (1976): Un capolavoro di equilibrio sinfonico

L'album del 1976 si sviluppa in cinque traccia-capolavoro per oltre 41 minuti di pura estasi progressiva:

...E Verrà L'Uomo e Verso Il Sole: L'inizio è folgorante. Tra contrappunti di tastiera, stacchi ritmici complessi e la chitarra di De Scalzi ad impreziosire l'apertura, la band mostra subito la capacità di unire la potenza del rock sinfonico a una vena melodica genuinamente italiana.

Una Storia Fiabesca e Il Rituale Notturno: Episodi in cui la poetica del gruppo si fa più scura ed evocativa. Tra arpeggi di pianoforte, fughe d'organo dal sapore barocco e un basso pulsante, la musica evoca scenari d'altri tempi.

I Due Amanti: La suite finale di oltre 13 minuti rappresenta il vertice espressivo del disco. Un lungo viaggio sonoro ricco di variazioni di tempo, crescendo drammatici e momenti di sospensione lirica che confermano la straordinaria maturità della band.

Il capitolo ritrovato: Dimensione Onirica (1992)

A dimostrazione della straordinaria vena creativa di questa formazione, nel 1992 l'etichetta Mellow Records ha recuperato e pubblicato "Dimensione Onirica".

Sebbene sia venuto alla luce nei primi anni '90, il materiale contenuto nel disco è stato interamente concepito e registrato nella metà degli anni '70, prima dello scioglimento della band. Si tratta di un album che racchiude registrazioni d'epoca e brani inediti che confermano la dimensione sognante, complessa e fiabesca del gruppo, regalando ai collezionisti un ulteriore tassello di inestimabile valore.

La Corte dei Miracoli rimane così la perfetta ciliegina sulla torta di questo capitolo italiano: un miracolo sonoro che merita un posto d'onore tra le grandi opere del rock progressivo.

Un Primo ascolto: Quì

Precedente: Capitolo VIII° (Part. V°) Cherry Five (Italia)

Successivo: Capitolo IX° (Part. I°) Ikarus (Germania)