Phaedrus – Pleiades Suite 2026 (Spagna) Rio-Avant Prog / Symphonic

 

Progetto e contesto artistico

L’universo del rock progressivo spagnolo e d’avanguardia si arricchisce di un'opera ambiziosa e di rara densità concettuale con Pleiades Suite, debutto ufficiale del supergruppo Phaedrus. Il progetto riunisce tre figure di spicco della scena avant-prog/sintetica della penisola iberica: Carlos G. Plaza e César G. Forero (menti e pilastri storici dei Kotebel) insieme a Víctor Rodríguez (leader e tastierista degli October Equus).

"Pleiades Suite" si configura come un'imponente suite strumentale divisa in sette movimenti distinti, ognuno dei quali è intitolato a una delle sette Pleiadi della mitologia greca (Merope, Maia, Taygete, Alcyone, Electra, Sterope e Celaeno). L'album fonde la complessità contrappuntistica del progressive sinfonico di scuola classica con l'audacia dell'avanguardia rock e dei paesaggi sonori digitali.

Analisi traccia per traccia

1. Merope (10:38) — Composizione: Carlos Plaza

L'apertura è affidata al brano più lungo e articolato dell'intero disco. Plaza mette subito in chiaro l'impostazione polifonica dell'opera: strutture ritmiche asimmetriche e cambi di tempo continui sorreggono fughe di tastiere dal sapore neoclassico. I dialoghi tra synth e chitarra ricordano le architetture più complesse dei Kotebel, evolvendosi verso sezioni drammatiche e solenni.

2. Maia (9:04) — Composizione: Víctor Rodríguez

L'impronta di Rodríguez emerge con forza nella tessitura timbrica e nell'uso della produzione orchestrale digitale. Maia oscilla tra atmosfere sospese ed esplosioni dal sapore quasi chamber-rock/RIO (Rock in Opposition), dove i paesaggi sonori creati dai synth avvolgono una sezione ritmica serrata e imprevedibile.

3. Taygete (7:39) — Composizione: César G. Forero

Forero introduce sfumature timbriche calde e acustiche grazie all'inserimento del clarinetto, che si intreccia con linee di chitarra elettrica ed elementi ritmici complessi. Il brano bilancia momenti melodici ed esplorazioni armoniche, evidenziando una forte sensibilità drammaturgica.

4. Alcyone (8:56) — Composizione: Carlos Plaza

Collocato al centro dell'opera, Alcyone rappresenta il punto di massima fusione tra la struttura rock e l'arrangiamento sinfonico. Arricchito dalle percussioni di Carlos Franco Vivas, il pezzo gode di un colore etnico e tribale unico all'interno del disco, che sfocia in un crescendo orchestrale guidato dalle tastiere di Plaza.

5. Electra (6:32) — Composizione: César G. Forero

Il movimento più teso e spigoloso dell'album. Forero spinge sul pedale del basso e della chitarra, creando trame geometriche rigorose su cui si innestano contrappunti di tastiera dal taglio quasi contemporaneo.

6. Sterope (6:14) — Composizione: Carlos Plaza

Sterope si distingue per un'atmosfera più intimista e cangiante. Plaza lavora con cura sui volumi e sugli spazi, alternando frasi pianistiche sognanti a improvvisi scatti dinamici sorretti da una batteria precisa e controllata.

7. Celaeno (8:46) — Composizione: Víctor Rodríguez

La conclusione della suite è affidata nuovamente alla penna di Rodríguez. Celaeno riprende alcuni dei temi dominanti del disco, condensandoli in una struttura maestosa e magniloquente. Le stratificazioni digitali si fondono con riff di chitarra taglienti e passaggi di clarinetto, portando l'album a una chiusura circolare di forte impatto emotivo.

Conclusione

"Pleiades Suite" è un lavoro di rara maturità compositiva e tecnica. La suddivisione delle composizioni tra i tre musicisti garantisce una grande varietà di stili e linguaggi, mantenendo al contempo un'omogeneità di fondo straordinaria. Non si tratta di un semplice album di rock progressivo, ma di un viaggio cosmico e mitologico tradotto in musica colta e articolata. Una prova eccellente che conferma la Spagna come uno dei poli europei più stimolanti per il prog d'avanguardia contemporaneo.

Punti di forza: Composizioni complesse ma organiche, arrangiamenti curati nei minimi dettagli e uso maestoso del clarinetto e dell'orchestrazione digitale.

Line-up

César G. Forero: Chitarre, Basso, Tastiere, Clarinetto

Víctor Rodríguez: Tastiere, Produzione Orchestrale Digitale, Soundscapes

Carlos G. Plaza: Tastiere, Basso, Batteria

Carlos Franco Vivas: Percussioni aggiuntive (ospite nel brano Alcyone)

Disco consigliato a tutti gli amanti del progressive rock sinfonico avanzato, del movimento RIO/avant-prog e della musica strumentale ad altissimo tasso tecnico.

Per un primo ascolto e l'acquisto: Quì

Green Carnation - A Dark Poem, Part III: The Messiah Complex 2026 (Norvegia) Experimental-Heavy Prog

I Green Carnation tornano sulla scena con un lavoro affascinante e profondo: A Dark Poem, Part III: The Messiah Complex. L'album dura poco più di 38 minuti distribuiti su sole 4 tracce, confermando l'attitudine progressiva e teatrale della band norvegese, ma rimanendo sempre piacevole e scorrevole all'ascolto.

Analisi Traccia per Traccia

1. Unconditional Artificial Chemistry (6:09) Il disco si apre con un brano granitico dove le chitarre potenti di Sordal e Harstad incontrano le atmosfere sintetiche curate da Kirkesola. La voce inconfondibile di Kjetil Nordhus guida l'ascoltatore attraverso ritmi incalzanti e melodie avvolgenti.

2. The Messiah Complex (6:48) La title track rappresenta il cuore tematico dell'opera. Qui il progressive metal della band mostra il suo lato più oscuro ed emozionante, alternando momenti carichi di tensione a passaggi melodici ricchi di patos.

3. Broken Souls, Common Enemies (8:45) Un brano lungo e articolato che introduce un tocco delicato grazie alla partecipazione di Ingrid Ose al flauto. La contrapposizione tra la dolcezza del flauto e l'impatto della sezione ritmica rende questa traccia uno dei punti più alti e poetici dell'intero lavoro.

4. A Dark Poem - Orchestral Suite (16:47) Una vera e propria suite di quasi 17 minuti che chiude l'album in modo maestoso. L'intervento della Kristiansand Symphony Orchestra e del relativo coro lirico trasforma la musica rock in un'esperienza sinfonica maestosa e cinematografica, degno finale di un'opera ambiziosa.

Dinamiche di Suono e Produzione

L'album si distingue per una produzione cristallina firmata Endre Kirkesola. Il mix bilancia l'impatto pesante del metal con la delicatezza dell'orchestra, evitando che i passaggi sinfonici sovrastino la sezione ritmica guidata dalla batteria di Jonathan Perez.

Intreccio di Generi

I Green Carnation uniscono tre anime stilistiche ben definite:

Progressive Metal: Strutture metriche articolate e cambi di tempo imprevedibili.

Gothic/Dark Wave: Atmosfere malinconiche, arricchite dall'uso di organi e sintetizzatori vintage.

Sinfonica Classica: L'innesto del coro lirico e dell'orchestra sinfonica di Kristiansand nel brano di chiusura crea un crescendo emotivo di matrice quasi operistica.

Interpretazione Vocale

La voce di Kjetil Nordhus si muove con naturalezza tra toni caldi e intimi nelle sezioni acustiche e registri più potenti ed espressivi nei momenti di massima carica sonora. La sua prova vocale funge da vero e proprio filo conduttore narrativo lungo i 38 minuti dell'opera.

Conclusione

"A Dark Poem, Part III: The Messiah Complex" è un disco equilibrato, ideale sia per chi ama il metal progressivo sia per chi si avvicina per la prima volta a questo genere. Un lavoro solido, emozionante e curato nei minimi dettagli.

Line-up

Kjetil Nordhus (voce)

Stein Roger Sordal (basso, chitarre, tastiere)

Bjørn Harstad (chitarra solista)

Endre Kirkesola (tastiere, synth, organi)

Jonathan Alejandro Perez (batteria).

Ospiti: 

Ingrid Ose (flauto nel brano 3)

Kristiansand Symphony Orchestra and Opera Choir (orchestra e coro nel brano 4).

Per un Primo Ascolto e l'acquisto: Quì

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo V°) Part. V° (Italia) Biglietto per L ‘Inferno

Concludiamo questa straordinaria cinquina italiana con una delle opere più potenti, oscure e viscerali di tutta la stagione del rock progressivo tricolore. Ci spostiamo in Lombardia per raccontare la storia dei Biglietto per l'Inferno e del loro omonimo, memorabile album del 1974: un perfetto equilibrio tra foga hard rock, impalcature progressive sinfoniche e una narrazione concettuale dal fascino quasi presago.

Brevi Storie delle prog band minori: Biglietto per l'Inferno

Se c'è un album che è riuscito a catturare la tensione, il buio e l'energia viscerale dell'Italia dei primi anni '70, quello è senza dubbio l'esordio omonimo dei Biglietto per l'Inferno, pubblicato nel 1974 per la Trident Records.

A metà strada tra l'aggressività dell'hard rock alla Uriah Heep / Deep Purple e le raffinate architetture del prog sinfonico nostrano, questo gruppo lecchese ha firmato un capolavoro di rara potenza espressiva, dominato da una storia concettuale angosciante e da un destino umano che sembrava già scritto tra i solchi del vinile.

L'energia del doppio tastierista e del flauto

I Biglietto per l'Inferno vantavano una formazione dal potenziale sonoro devastante. Accanto alle chitarre grintose di Marco Mainetti e alle tastiere di Giuseppe "Baffo" Banfi e Giuseppe Costa (che spaziavano tra organo Hammond e sintetizzatori) e alla solidissima sezione ritmica formata da Fausto Branchini (basso) e Mauro Gnecchi (batteria), la band ruotava attorno alla figura centrale di Claudio Canali, cantante carismatico, autore dei testi e virtuoso del flauto traverso.

La scelta di affiancare l'organo Hammond ruggente e i sintetizzatori a un flauto aggressivo e alla chitarra distorta creava una trama sonora cupa, drammatica e incalzante, sorretta da un tiro ritmico e una carica live travolgente.

Biglietto per l'Inferno (1974): La storia fantastica e la discesa nel buio

L'album è una folgorante suite concettuale che ruota attorno alla storia di Claudio, un uomo emarginato e tormentato che cerca rifugio e risposte, ma finisce per incontrare il Diavolo in persona. Il dialogo tra l'uomo e il maligno diviene metafora delle paure, delle ipocrisie e dei drammi della società moderna.

L'attacco di "Ansia", "Confessione" e "Una Strana Regina": Fin dai primi brani, l'ascoltatore viene travolto da riff potenti d'organo e chitarra, spezzati da improvvisi assoli di flauto dal sapore Jethro-tulliano. La voce di Claudio Canali è violenta, sofferta, declamatoria: non canta semplicemente, ma recita e vive il dramma del suo personaggio con una teatralità sconvolgente.

"Il Nevare" e "L'Amico Suicida": La seconda facciata tocca vertici assoluti di dinamica progressive. I momenti di pura foga hard rock si alternano ad aperture liriche e sognanti, guidate da arpeggi acustici e tappeti di tastiere, fino all'esplosione finale dove il protagonista consuma la sua tragica resa dei conti.

Un destino già scritto: La metamorfosi di Claudio Canali

A rendere ancora più leggendario quest'album è la traiettoria umana del suo front-man. Chi ascolta oggi la foga, la disperazione e le tematiche spirituali/esistenziali affrontate da Canali nel 1974 non può non cogliere una sorta di sotterranea predestinazione.

Dopo lo scioglimento della band - avvenuto prematuramente a causa del fallimento della casa discografica proprio mentre stendevano i brani per il secondo album - e dopo un periodo di ricerca personale e isolamento, Claudio Canali compì una scelta radicale: nel 1990 entrò nel monastero camaldolese di Serra San Quirico (e successivamente nell'eremo delle Grotte di Siloe), prendendo i voti e diventando Fra Claudio (monaco benedettino).

Quella ricerca della verità, urlata a pieni polmoni tra il flauto e i riff storti dei Biglietto per l'Inferno, ha trovato così la sua risposta nel silenzio e nella preghiera.

Il verdetto del tempo

Nonostante una carriera discografica fulminea, l'album dei Biglietto per l'Inferno resta una colonna portante del rock progressivo italiano. Un disco melodico e selvaggio al tempo stesso, capace di unire la potenza dell'hard prog a una storia fantastica che continua a far venire i brividi a ogni ascolto.

Con i Biglietto per l'Inferno si chiude alla grande anche questa quinta cinquina, interamente dedicata alle nostre eccellenze italiane!

Un Primo Ascolto: QUI

Precedente: Capitolo V° (Part.IV°) Celeste (Italia)

Successivo: Capitolo VI° (Part. I°) Fireballet (US) Work in Progress

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo V°) Part. IV° (Italia) Celeste

Dalla grazia da camera di Quella Vecchia Locanda ci spostiamo in Liguria per incontrare una band che ha fatto della delicatezza, del lirismo e dell'esplorazione sonora il proprio marchio di fabbrica: i Celeste.

Se molti gruppi del prog italiano degli anni '70 cercavano l'impatto sonoro attraverso chitarre distorte e ritmiche furiose, i Celeste hanno tracciato una via del tutto personale e poetica, consegnando alla storia un disco dove il Mellotron stende tappeti da sogno ed evoca paesaggi incantati.

Brevi Storie delle prog band minori: Celeste

Nel 1976, quando il panorama del progressive rock stava affrontando una profonda trasformazione, una band di Sanremo pubblica in modo quasi silenzioso un album destinato a diventare uno dei più grandi oggetti di culto per i collezionisti di tutto il mondo. Il gruppo si chiama Celeste e il loro disco d'esordio, "Principe di un giorno" (pubblicato per la piccolissima etichetta Dischi Ricordi / Grog), è un'opera d'arte pura, sospesa in un tempo indeterminato tra fiaba, musica rinascimentale e pura introspezione acustica.

Privo quasi del tutto di chitarre elettriche distorte e di batterie aggressive, Principe di un giorno è la dimostrazione di come il prog possa essere incredibilmente potente pur sussurrando.

Architetti di sogni e di suono

I Celeste nascono attorno alla figura del polistrumentista e compositore Ciro Perrino (voce, tastiere, flauto, percussioni), affiancato dal chitarrista e flautista Leonardo Lagorio (già nei Museo Rosenbach), dal violoncellista e flautista Mariano Schiavolini e dal bassista Giorgio Battaglia.

La scelta d'arrangiamento dei Celeste fu rivoluzionaria per l'epoca: rinunciare ai ritmi martellanti del rock per costruire una vera e propria orchestra acustica e sintetica. Il protagonista assoluto dell'album è il Mellotron, suonato da Perrino, i cui celebri campionamenti d'archi e flauti vengono utilizzati non come semplice sottofondo, ma come una trama viva su cui si appoggiano flauti traversi e chitarre classiche, pianoforte e violoncello.

Principe di un giorno (1976): Un viaggio fiabesco

L'ascolto di Principe di un giorno è un'esperienza quasi terapeutica, un'immersione in un bosco incantato o in un castello sospeso tra le nebbie:

 La maestosità del Mellotron: Fin dal brano di apertura "Principe di un giorno", il Mellotron ricama cattedrali sonore d'archi di rara bellezza. Il suono è caldo, avvolgente, malinconico e maestoso, capace di regalare un senso di pace profonda ma sempre attraversata da un velo di nostalgia.

Flauti, chitarre acustiche e canti eterei: I flauti s'intrecciano con gli arpeggi di chitarra con corde di nylon e con gli interventi di pianoforte, creando atmosfere pastorali e derivazioni rinascimentali. La voce di Ciro Perrino è delicata, quasi sussurrata, e s'inserisce nel tessuto musicale con la grazia di uno strumento aggiunto.

Sfumature impressioniste: Brani come "Favole antiche" e "Giochi nella notte" mostrano un gusto compositivo che guarda da vicino all'impressionismo classico (Debussy, Ravel) e al folk pastorale britannico dei primi King Crimson (In the Court of the Crimson King) e al periodo McDonald & Giles, ma riletto con la tipica sensibilità solare e mediterranea dell'ambiente ligure.

Un cult-album senza tempo

Nonostante le vendite modestissime all'epoca della pubblicazione a causa della scarsa distribuzione dell'etichetta indipendente, "Principe di un giorno" è stato riscoperto nei decenni successivi - specialmente in Giappone -, dove è considerato uno dei vertici assoluti del prog poetico ed etereo mondiale.

Il lavoro dei Celeste rimane una perla di rara eleganza, un album fiabesco in cui ogni nota di Mellotron e ogni soffio di flauto invitano l'ascoltatore a fermarsi, chiudere gli occhi e lasciarsi trasportare in un mondo lontano.

Un Primo Ascolto: QUI

Precedente: Capitolo V° (Part. III°) Quella Vecchia Locanda (Italia)

Successivo: Capitolo V° (Part.V°) Biglietto Per L'Inferno (Italia)

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo V°) Part. III° (Italia) Quella vecchia locanda

 Nel variegato mosaico del progressive rock italiano degli anni '70, pochissime band sono riuscite a coniugare l'irruenza del rock con la grazia della musica classica ed etnica in modo così fluido ed emozionante come Quella Vecchia Locanda. Nata a Roma alla fine degli anni '60 e arrivata all'esordio omonimo nel 1972 per l'etichetta RCA, questa formazione ha firmato pagine di rara bellezza, distinguendosi immediatamente per l'uso magistrale degli strumenti ad arco e a fiato.

Se il loro secondo lavoro (Il tempo della gioia, 1974) ne confermerà la maturità, l'album d'esordio del 1972 rimane una folgorante testimonianza di freschezza, poesia e potenza espressiva.

Il dialogo tra rock e musica da camera

Ciò che rendeva unico il suono di Quella Vecchia Locanda era la composizione del gruppo, che vedeva affiancati musicisti di estrazione rock e strumentisti di formazione classica. La formazione del primo album vedeva Giorgio Giorgi al flauto e voce solista, Donald Lax al violino, Massimo Roselli alle tastiere, Raimondo Cocco alle chitarre, Romualdo Coletta al basso e Patrick Traina alla batteria.

In un'epoca in cui molti gruppi usavano il violino o il flauto solo come colore occasionale, la Locanda ne fece i pilastri portanti della propria architettura sonora. Il violino di Lax e il flauto di Giorgi non si limitavano a seguire le melodie, ma duellavano costantemente con la chitarra elettrica e l'organo Hammond, creando una trama timbrica ricca, vibrante e dal sapore squisitamente mediterraneo.

Quella Vecchia Locanda (1972): Una fiaba in musica

L'album d'esordio del 1972 - celebre anche per l'iconica e sognante copertina illustrata - è un susseguirsi di dinamiche perfette, dove momenti di profonda introspezione acustica sfociano improvvisamente in furiose fughe rock:

"Prologo" e "Un villaggio, un'illusione": L'apertura del disco chiarisce subito la statura della band. Arpeggi delicati di chitarra acustica e interventi eterei di flauto si fondono con la voce poetica e declamatoria di Giorgio Giorgi, prima che il violino e la sezione ritmica scatenino un crescendo sinfonico mozzafiato.

"Realtà" e "Immagini Sfuocate": Brani in cui l'organo Hammond e la chitarra distorta spingono su ritmiche serrate, sorrette dai cambi di tempo geometrici di Traina e Coletta. Il violino assume toni quasi zingareschi e virtuosistici, donando un carattere energico ed etnico del tutto originale.

"Il Cieco", "Dialogo", "Verso la Locanda" e "Sogno ,Risveglio E..": Insieme rappresentano i vertici lirici dell'album e di tutto il prog italiano. Melodia malinconiche e indimenticabili, sorrette dal pianoforte e da un violino struggente, che mostrano il lato più romantico e intimista del gruppo.

Un'eredità d'oro della scuola romana

Nonostante due album impeccabili e un grande consenso da parte di chi li vedeva dal vivo, la band decise di sciogliersi a metà anni '70 di fronte alle trasformazioni del mercato discografico e alla fine della stagione d'oro del prog.

Ciononostante, l'opera d'esordio di Quella Vecchia Locanda rimane un capolavoro assoluto, capace di equilibrare perfettamente la grazia del barocco e del rinascimento con la forza del rock anni '70. Un ascolto imprescindibile che impreziosisce ulteriormente questa quinta cinquina tutta italiana della mia rubrica "Brevi Storie delle Prog Band Minori".

Un Primo Ascolto: QUI

Precedente: Capitolo V° (Part. II°) Alphataurus (Italia)

Successivo: Capitolo V° (Part. IV°) Celeste (Italia)

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo V°) Part.II° (Italia) Alphataurus

 Tra le tante meteore splendenti che hanno popolato la scena del Progressive Rock Italiano nei primi anni '70, gli Alphataurus occupano un posto del tutto speciale. Formatisi a Milano e arrivati all'esordio discografico nel 1973 per la celebre etichetta Magma (fondata da Vittorio De Scalzi dei New Trolls), questo quintetto ha lasciato un segno incancellabile con un unico album omonimo, diventato negli anni un oggetto di culto assoluto per collezionisti di tutto il mondo.

Con la loro iconica copertina apribile firmata da Adriano Marangoni - raffigurante una colomba meccanica da guerra che sgancia bombe su una città disastrata -, gli Alphataurus hanno incarnato la perfetta sintesi tra l'impatto viscerale dell'hard rock e la raffinata maestosità del prog sinfonico.

La potenza di una formazione unica

La forza travolgente degli Alphataurus risiedeva nell'intesa perfetta tra i suoi cinque elementi: Pietro Pellegrini alle tastiere (organo Hammond, Moog, spinetta), Guido Wassermann alle chitarre, Alfonso Oliva al basso, Giorgio Santandrea alla batteria e, soprattutto, il grandioso Michele Bavaro alla voce.

Bavaro possedeva una delle voci più impressionanti e versatili dell'intera scena tricolore: un timbro caldo, stentoreo, potente ed esteso, in grado di passare con disinvoltura da acuti laceranti a momenti di profonda ed intima drammaticità.

Alphataurus (1973): Un uragano sonoro di classe ed energia

L'album Alphataurus è composto da cinque sole tracce, ciascuna delle quali rappresenta una lezione magistrale di dinamica e arrangiamento:

"Peccato d'Orgoglio": Il brano d'apertura è una suite travolgente guidata dall'organo Hammond di Pellegrini e dalla chitarra graffiante di Wassermann. La sezione ritmica di Santandrea e Oliva stende trame complesse e inarrestabili su cui la voce di Bavaro esplode in tutta la sua drammaticità.

"Dopo l'Uragano" e "Croma": Due episodi che mostrano il lato più grintoso e ritmico della band, dove riff taglienti di matrice hard si fondono con fughe di tastiere dal sapore classico.

"La mente vola": Uno dei momenti più lirici e suggestivi dell'intero prog italiano. Un'introduzione ipnotica di spinetta e moog lascia spazio a una melodia struggente e sognante, con una prestazione vocale di Bavaro che lascia letteralmente a bocca aperta per pathos ed estensione.

"Ombra Muta": La chiusura strumentale che evidenzia l'incredibile perizia tecnica della band e il gusto per gli incastri timbrici e i continui cambi di tempo.

Un mito interrotto sul più bello

Come purtroppo accaduto a molti colleghi della scena italiana, gli Alphataurus non riuscirono a dare un seguito immediato a questo esordio folgorante. Durante le sessioni di registrazione del secondo album, problemi personali e difficoltà economiche portarono alla dissoluzione del gruppo, lasciando incompiuto quel nuovo materiale (pubblicato solo decenni dopo come "Dietro l'uragano").

Nonostante la brevissima parabola iniziale, l'album del 1973 degli Alphataurus rimane un monumento insuperato di energia, tecnica e passione. Un capolavoro imprescindibile che dimostra come il prog italiano sapesse picchiare duro senza mai perdere un grammo di poesia.

Un Primo Ascolto: QUI

Precedente: Capitolo V° (Part.I°) Museo Rosenbach (Italia)

Successivo: Capitolo V° (Part.III) Quella Vecchia Locanda (Italia)

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo V°) Part. I° (Italia) Museo Rosenbach

 Ci sono album che diventano leggenda non solo per la musica contenuta nei loro solchi, ma per la tempesta culturale, mediatica e sociale che sono riusciti a scatenare. Nel fitto sottobosco del progressive rock italiano degli anni '70, nessun disco incarna questa aura di "capolavoro maledetto" con la stessa potenza di "Zarathustra" del Museo Rosenbach, pubblicato nel 1973 dalla Ricordi.

Un'opera monumentale, viscerale e complessa che, pur travolta all'epoca da assurde polemiche ideologiche, è riuscita a vincere la sfida contro il tempo, imponendosi oggi come una delle pietre miliari assolute del prog sinfonico a livello internazionale.

Dalle coste ligure al tempio del Prog

La storia del Museo Rosenbach affonda le sue radici a Bordighera, in Liguria, dall'unione di due formazioni locali (La Quinta Strada e gli Insieme). La formazione classica che darà vita all'album vede Giancarlo Golzi alla batteria (futuro perno dei Matia Bazar), Alberto Moreno al basso e pianoforte, Pit Corradi alle tastiere, Enzo Merogno alla chitarra e un giovanissimo Stefano "Lupo" Galifi alla voce.

Ciò che distingueva il Museo Rosenbach dalla maggior parte delle band era l'impatto sonoro: una combinazione perfetta tra la maestosità sinfonica dell'organo Hammond e del Mellotron e un'aggressività ritmica quasi hard rock, guidata dal canto potente, graffiante e teatrale di Lupo Galifi.

Zarathustra: L'impatto di un capolavoro

Ispirato liberamente alla figura e alla filosofia di Friedrich Nietzsche, Zarathustra è un concept album incentrato sul superamento dell'uomo, sulle sue debolezze e sulla ricerca di una nuova consapevolezza. Il disco si apre con la titanica suite che occupa l'intera prima facciata del vinile, divisa in cinque movimenti (a partire dal folgorante "l'Ultimo Uomo" fino a "Il Tempio delle Clessidre").

L'intreccio sonoro: Il lavoro di Pit Corradi al Mellotron e all'Hammond stende cattedrali di suono cupe ed evocative, su cui si innestano i riff taglienti della chitarra di Merogno e le complesse geometrie della sezione ritmica di Golzi e Moreno.

La voce di Lupo Galifi: La prestazione vocale di Galifi è una delle più straordinarie di tutto il prog italiano. La sua interpretazione è viscerale, drammatica, carica di un pathos che trascina l'ascoltatore dentro il travaglio interiore del protagonista.

La seconda facciata racchiude tre brani distinti ma concettualmente legati ("Degli Uomini", "Della Natura" e "Dell'eterno Ritorno"), dove la band dimostra una maturità compositiva disarmante, capace di alternare momenti di pura violenza sonora a delicate e malinconiche aperture acustiche.

Le polemiche e la riscoperta

Purtroppo, al momento della sua uscita nel 1973, l'album fu travolto da una feroce polemica politica. La scelta del tema nietzscheano, unita al volto di Mussolini inserito nel collage d'epoca della celebre copertina nera ad opera di Cesare Monti, portò l'ambiente discografico e radiofonico (RAI in primis) a boicottare il disco, etichettando ingiustamente la band.

Messa ai margini e frustrata dalla mancanza di supporto, la band si sciolse poco dopo. Tuttavia, la forza della musica ha superato ogni censura: a partire dagli anni '80 e '90, con la riscoperta del prog italiano in Giappone e in tutta Europa, Zarathustra è stato riconosciuto per ciò che è sempre stato: un'opera d'arte pura, potente ed esaltante.

Un Primo Ascolto: QUI

Precedente: Capitolo IV° (Part. V°) Espiritu (Argentina)

Successivo: Capitolo V° (Part. II°) Alphataurus  (Italia)