The Flower Kings - Hope 2026 (Svezia) Symphonic Prog

 

I The Flower Kings tornano nel 2026 con Hope, il loro diciottesimo album in studio, confermando perché restino una delle colonne portanti del rock progressivo sinfonico mondiale. Con una durata totale di quasi 58 minuti suddivisi in soli quattro brani principali (due dei quali sono imponenti suite spezzettate in movimento), la band svedese guidata da Roine Stolt firma un'opera ambiziosa che unisce grande maestria tecnica e un forte senso di speranza.

Analisi dei Brani

1) World Spinning - The Final Curtain (18:45): Una suite travolgente suddivisa in cinque parti dove atmosfere spaziali, assoli di chitarra lirici e trame di tastiere si intrecciano per raccontare un pianeta in continuo mutamento.

2) In a World of Fools (5:35): Scelto come singolo apripista, è il brano più diretto e melodico del disco. Un rock allegro e ritmato ma ricco di sfumature, con un ritornello immediato.

3) Mars & Minerva (4:40): Un pezzo strumentale intermedio dal forte sapore cinematografico, ideale per far respirare l'ascoltatore prima del grande finale.

4) The Gods of Rome (28:15): Il vero fiore all'occhiello dell'album. Divisa in sette parti, questa suite sfiora i trenta minuti ed esplora tutte le anime del prog classico: cambi di tempo improvvisi, duelli tra chitarra e pianoforte, aperture orchestrali e un crescendo emozionale indimenticabile.

Analisi Strumentale

L'affiatamento della formazione è al suo apice:

Roine Stolt & Hasse Fröberg (Chitarre e Voci): Il contrasto e l'intreccio vocale tra il timbro caldo di Stolt e quello più graffiante e rock di Fröberg regalano grande varietà. Alla chitarra, Stolt sfoggia il suo solito gusto melodico, tra arpeggi a 6 e 12 corde ed assoli fluidi.

Lalle Larsson (Pianoforte e Tastiere): Il lavoro sui tasti neri e bianchi è impeccabile. Passa con naturalezza da delicate linee di pianoforte classico a tappeti di sintetizzatori e organo, guidando le strutture più complesse dei due pezzi lunghi.

Michael Stolt (Basso e Moog Bass): La sezione ritmica gode di un suono profondo e dinamico; l'uso del Moog bass regala frequenze basse e avvolgenti nelle sezioni più sinfoniche.

Mirko DeMaio (Batteria e Percussioni): Con un drumming preciso, dinamico e mai invadente, sostiene con disinvoltura i continui cambi di tempo tipici del genere.

Tematica e Messaggio

In un momento storico segnato da incertezze, frammentazione sociale e tensioni globali, Hope non vuole essere un album cupo o di protesta. Al contrario, utilizza la metafora del declino dell'antica Roma (The Gods of Rome) per riflettere sulle ambizioni e gli errori dell'umanità, proponendo come antidoto l'empatia, l'amore e la fiducia nel futuro.

Un disco accessibile anche a chi si avvicina per la prima volta al progressive rock, capace di emozionare senza risultare mai un puro esercizio di stile. Un ascolto consigliato a tutti gli amanti della buona musica.

Un Primo Ascolto: Quì

Rock Progressivo Italiano - Alphataurus, VII Vitium e VIII Strada

Rock Progressivo Italiano: il 30 ottobre gli VIII Strada sbarcano al Damage Inc di Verona insieme ad Alphataurus e VII Vitium

Se il rock progressivo in Italia gode di ottima salute, lo dobbiamo anche alla tenacia e alla ricerca sonora di band che continuano a credere nella forma-canzone complessa, nell'energia live e in una narrazione musicale che guarda oltre i confini del tempo. Appuntamento imperdibile per tutti gli amanti del genere è fissato per venerdì 30 ottobre 2026 al Damage Inc di San Giovanni Lupatoto (Verona), che ospiterà una tripla imperdibile calata prog: sul palco Alphataurus, VII Vitium e VIII Strada.

“Città Totale”: il viaggio sonoro degli VIII Strada

Dopo le tappe di Vercelli e Bellinzona e il prestigioso battesimo live al Legend Club di Milano in apertura al Banco del Mutuo Soccorso, gli VIII Strada proseguono il loro tour promozionale per presentare dal vivo “Città Totale”, il monumentale doppio album pubblicato lo scorso maggio per l'etichetta Ma.Ra.Cash Records.

Il disco rappresenta l'approdo di anni di composizione e ricerca artistica, unendo la potenza dell'impatto rock a trame narrative fitte e alle molteplici anime che hanno fatto grande la storia del progressive italiano. Sul palco, la formazione milanese sa tradurre tutto questo in un'esperienza visiva e sonora intensa, come testimoniato anche dalle atmosfere del videoclip ufficiale della title track, dove rock, urgenza espressiva e teatralità visiva si fondono alla perfezione.

La band dal vivo si presenta con una line-up affiatatissima:

 Tito Vizzuso (Voce)

 Davide Zigliani (Chitarra)

 Sergio Merlino (Basso)

 Sigfrido Percich (Batteria)

Una serata di pura eccezione prog

Condividere il palco con storiche realtà e nuove leve della scena come gli Alphataurus e i VII Vitium rende questa data veronese un vero e proprio manifesto dello stato di salute del progressive tricolore: un genere che non si limita a celebrare il passato, ma che continua a evolversi, interrogarsi e suonare straordinariamente attuale.

Dopo la tappa scaligera, il viaggio degli VIII Strada proseguirà il 22 novembre a Cusano Milanino in occasione del Prog-MI. Se vi trovate nel Veronese o siete in cerca di buona musica suonata con passione e tecnica, segnatevi i dettagli della serata.

Coordinate e Info Utili

 Data: Venerdì 30 ottobre 2026

 Location: Damage Inc – San Giovanni Lupatoto (VR)

 Line-up: Alphataurus + VII Vitium + VIII Strada

 Apertura porte: Ore 20:00

 Ingresso: 20 €

 Evento Ufficiale Facebook: Link all'evento

Ascolta e Scopri di più

 Guarda il video di “Città Totale”: YouTube

 Ascolta su Spotify: Profilo Ufficiale

 Sito Ufficiale: ottavastrada.com

Datura Lodge – Datura Lodge (2026) US

 

Un Esordio Ipnotico tra Prog Moderno e Tensioni Allucinogene

Il 2 ottobre segna l'arrivo dell'album omonimo dei Datura Lodge, un debutto pronto ad accendere i riflettori su questa nuova e frizzante formazione statunitense. Originaria del New Jersey, la band prende il nome da una pianta affascinante e misteriosa per costruire un'atmosfera sonora potente e avvolgente, capace di conquistare al primo ascolto.  

Muovendosi con naturalezza tra le sfumature del rock progressivo e le energie travolgenti dell'hard rock, i Datura Lodge fondono sapientemente l'eredità dei grandi classici con un tocco moderno e immediato. Chitarre graffianti, ritmi dinamici, colpi di scena e melodie d'impatto si intrecciano per creare un viaggio musicale ricco di sfaccettature, perfetto sia per chi cerca pezzi carichi di carica sia per chi ama perdersi nei dettagli più ricercati.

Questo primo lavoro rappresenta una vera e propria carta d'identità per il gruppo: un'esperienza immersiva da ascoltare tutta d'un fiato, dove ogni brano aggiunge un tassello a un mondo sonoro unico e dal carattere deciso. 

La struttura dell'album riposa sul nucleo creativo composto da Nicky B (basso e voce) e "W" (chitarra e voce). Per dare corpo a una sezione ritmica e armonica d'eccezione, i due si avvalgono di collaboratori d'eccezione: il leggendario tastierista Adam Holzman (già al fianco di Steven Wilson e Miles Davis), il batterista Russell Holzman e l'ingegnere del suono Ben Karas, la cui impronta sul mix restituisce un suono caldo, dinamico, viscerale e mai sovra-compresso.  

Analisi Traccia per Traccia

Con 9 brani per una durata complessiva di poco più di 40 minuti, i Datura Lodge evitano i tranelli del tecnicismo fine a se stesso, privilegiando narrazione, atmosfere tese e ganci melodici imprevedibili.

1. Mummy (03:32)

L'apertura è scattante e immediata. Linee di basso pulsanti e ritmiche asimmetriche introducono una voce carica di tensione. È un biglietto da visita che mette subito in mostra l'equilibrio tra l'energia hard rock e la complessità strutturale.  

2. Stone (04:07)

Uno dei punti più alti del disco. Il brano evolve da un riff ossessivo verso un intreccio strumentale magistrale, impreziosito dall'eccezionale assolo di violino firmato da Ben Karas, che dona al pezzo una sfumatura tzigana e psichedelica straordinaria.  

3. 98 and 94 (05:11)

Con oltre cinque minuti di durata, il pezzo rallenta il ritmo per aprirsi a paesaggi sonori più ampi. L'apporto tastieristico di Adam Holzman brilla nello sfondo, intessendo trame ambient-prog che dialogano con la chitarra di "W".  

4. Them (04:08)

Caratterizzata da un groove serrato gestito da Russell Holzman, la traccia gioca sui contrasti vocali e su accelerazioni improvvise, riflettendo un'atmosfera claustrofobica che richiama le influenze di The Mars Volta e King Crimson.  

5. Floor (04:22)

Traccia centrale e spartiacque dell'album. Floor lavora per sottrazione, basandosi su linee di basso profonde e chitarre arpeggiate che creano una suspense quasi cinematografica prima di esplodere in un finale distorto e liberatorio.  

6. Can (04:28)

Un brano che dimostra la grande versatilità del duo. Tra cambi di tempo improvvisi e sovrapposizioni vocali ben curate, la traccia mantiene altissima la soglia di attenzione dell'ascoltatore.  

7. Hole (05:54)

Uno dei pezzi più densi ed emotivi del disco. Con la sua durata di quasi sei minuti, svela un'anima scura e ipnotica. La batteria sostiene una struttura modulare in continua trasformazione, culminando in una coda strumentale tra le più suggestive dell'opera.  

8. Beam (03:23)

La traccia più breve ed essenziale del lotto, pensata come una rampa di lancio verso il gran finale. Un concentrato di energia chitarristica diretta ed efficace.  

9. Lodge (06:29)

La traccia di chiusura rappresenta la sintesi concettuale e sonora dell'intera opera. In oltre sei minuti, Lodge racchiude tutte le anime del progetto: aperture melodiche evocative, digressioni fusion guidate dai synth di Holzman e una sezione ritmica granitica. La conclusione ideale per un viaggio lisergico.  

Conclusione

Datura Lodge è un album d'esordio maturo, bilanciato e privo di sbavature. La forza del disco risiede nella capacità di Nicky B e "W" di fondere la complessità del prog moderno con l'impatto e la freschezza di un rock viscerale. L'eccellente lavoro in fase di mixaggio e produzione firmato da Ben Karas, unito alla statura dei musicisti coinvolti, rende l'ascolto scorrevole e gratificante a ogni passaggio.  

 Line-up

Nicky B (Basso, Voce), "W" (Chitarra, Voce)  

Ospiti e Collaboratori: Adam Holzman (Tastiere), Russell Holzman (Batteria), Ben Karas (Ingegneria del suono, Mixaggio, Assolo di violino in Stone)  

Per un Primo Ascolto e l'Acquisto: QUI

Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo X°) Part. V° (Brasile) Terreno Baldio

 

Chiudiamo questa decima cinquina ad altissimo livello volando in Sud America con i brasiliani Terreno Baldio, autori di un esordio folgorante che rappresenta una delle vette assolute del prog latinoamericano.

Rubrica: Storie delle prog band minori: Terreno Baldio

Nel panorama sudamericano degli anni '70, il Brasile ha saputo regalare perle di rara bellezza, fondendo la complessità del prog europeo con il calore e la spinta ritmica della propria tradizione. Tra le realtà più fulgide di quella stagione spiccano senza dubbio i Terreno Baldio. Formatisi a San Paolo, pubblicano nel 1976 il loro album d'esordio omonimo: una vera e propria esplosione di creatività che deve molto alle sonorità dei Gentle Giant, pur mantenendo un'identità unica, teatrale e profondamente brasiliana.

Un disco intenso, tecnico e sognante, diventato nel tempo un capolavoro imprescindibile per gli amanti del settore.

Architetture poliritmiche e teatralità

La forza dei Terreno Baldio risiede nell'incredibile intesa tra i musicisti, capaci di intrecciare incastri ritmici complessi, armonie vocali sofisticate e un grande lirismo strumentale. La formazione originale vedeva João "Fusa" Kurk alle voci e percussioni, Mozart Mello alle chitarre elettriche e acustiche, Roberto Lazzarini al maestoso parco tastiere (pianoforte, piani elettrici Hohner e RMI, organi Yamaha e Hammond, synth Mini-Moog ed Elka String, fino allo xilofono), João Ascenção al basso e Joaquim Correia a batteria e percussioni.

L'uso sapiente del Mini-Moog e dei piani elettrici da parte di Lazzarini, affiancato dai graffi di chitarra di Mello e dalla voce espressiva e drammatica di "Fusa", regala un sound ricco di sfumature imprevedibili.

Terreno Baldio (1976): Un esordio di pura classe

I circa 36 minuti del vinile originale si snodano attraverso otto composizioni di rara maestria:

I classici: Brani come Pássaro Azul, Loucuras De Amor e la sognante Despertas mettono in luce continui cambi di tempo e intrecci strumentali raffinati.

Tensioni e poesia: Àgua Que Corre, A Volta e la brevissima Quando As Coisas Ganham Vida preparano il terreno ai momenti più complessi del disco, come la suite Este É O Lugar (oltre sette minuti di pura estasi prog) e la finale e drammatica Grite.

La versione in inglese (1992) e il secondo capitolo

Dopo questo folgorante debutto, la band darà alle stampe nel 1977 un ottimo secondo lavoro incentrato sul folklore locale, "Além Das Lendas Brasileiras", prima di sciogliersi.

Tuttavia, la storia dell'esordio dei Terreno Baldio riservava ancora una grande sorpresa. Nel 1992 è stata finalmente pubblicata la versione in inglese dell'album omonimo (registrata originariamente all'epoca per tentare lo sbocco sul mercato internazionale ma rimasta negli archivi).

Con una scaletta rivista nei titoli Elder Mirror (bonus) The Place, Running Water, Scream, The Return, Blue Bird, The Sea And The Love, When The Things Becomes Alive, Awakening e Aqueleo (secondo bonus dell'album con il contributo al violino di Cassio Poletto), questa riedizione dimostra come la loro musica possedesse una statura internazionale capace di travalicare ogni barriera linguistica.

Un tassello fondamentale per il prog mondiale

Che lo si ascolti nella calda veste portoghese del 1976 o nella rilettura inglese del 1992, l'esordio dei Terreno Baldio rimane una testimonianza cristallina di talento pura, degna chiusura per un capitolo internazionale memorabile.

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Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo X°) Part. IV° (Indonesia) Abbhama

 

Dagli Stati Uniti ci spostiamo in Asia per scoprire una delle perle più esotiche, affascinanti e inaspettate dell'intera storia del rock progressivo asiatico: gli indonesiani Abbhama e il loro capolavoro del 1978, "Alam Raya".

Rubrica: Storie delle prog band minori: Abbhama

Nella seconda metà degli anni '70, l'Indonesia fu teatro di una vivacissima e sommersa scena progressive, capace di assimilare la lezione dei grandi maestri europei rielaborandola con una sensibilità melodica e timbrica del tutto unica. Tra le varie formazioni emerse da quel fertile panorama, gli Abbhama spiccano per raffinatezza e ambizione. Pubblicato nel 1978, "Alam Raya" rappresenta una sintesi perfetta tra rock sinfonico classico, orchestrazioni da camera e suggestioni pop-folk locali.

Un album caleidoscopico, morbido ed elegante, dove la complessità degli arrangiamenti va di pari passo con linee melodiche memorabili ed esotiche.

Orchestrazioni da camera ed eleganza esotica

A rendere unico il sound degli Abbhama è la ricchissima dotazione di strumenti a fiato e tastiere, che dona alle composizioni un tocco quasi classico ed orchestrale. La lineup vedeva Iwan Madjid a voce solista e pianoforte, Cok B. alla chitarra, Oni alle tastiere, Dharma a flauto e clarinetto, Hendro all'oboe, Darwin B Rachman al basso e tastiere, e Robin Mangunsong a batteria e percussioni.

L'apporto di oboe, flauto e clarinetto intrecciati al pianoforte di Iwan Madjid regala al disco un sapore sinfonico-pastorale di rara delicatezza, sorretto da un cantato in lingua madre che aggiunge un fascino misterioso e suggestivo.

Alam Raya (1978): Un affresco sinfonico nel cuore dell'Asia

Il disco si sviluppa attraverso dieci tracce fluide e prive di cadute di stile per oltre 44 minuti di musica:

Kembali, Asmara e Alam Raya: L'inizio con Kembali introduce subito l'ascoltatore in un prog sinfonico luminoso e ritmato. Seguono la delicata e lirica Asmara e la title-track Alam Raya, un concentrato di romanticismo dove pianoforte, flauto e voce tracciano melodie d'inestimabile bellezza.

Karam, Keriadaan Yang Ada e Terlenia: La parte centrale del vinile offre momenti di grande atmosfera. Karam e Keriadaan Yang Ada mettono in mostra la maturità negli arrangiamenti dei fiati, mentre l'inedita parentesi strumentale di Terlenia regala sospensioni sognanti che ricordano da vicino i momenti più poetici di Camel e Premiata Forneria Marconi.

Air, Malam, Indonesia e Ibu: La seconda metà tocca vertici espressivi altissimi con i quasi otto minuti di Indonesia, una mini-suite patriottica e complessa ricca di cambi di tempo e crescendo sinfonici, fino alla commovente chiusura affidata a Ibu.

Un tesoro sommerso da riscoprire

Nonostante la qualità eccelsa delle composizioni e il talento dei singoli musicisti, gli Abbhama non ebbero modo di dare un seguito a questa pubblicazione, e l'album rimase per decenni quasi introvabile al di fuori del circuito di collezionisti asiatici.

Grazie alle successive ristampe e alla riscoperta del prog del Sud-est asiatico, "Alam Raya"degli Abbhama si rivela oggi un autentico capolavoro: una gemma preziosa che dimostra come il linguaggio del rock progressivo non conoscesse davvero confini geografici.

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Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo X°) Part. III° (US) Lift

 

Dal fascino intellettuale dei Pierrot Lunaire voliamo oltreoceano negli Stati Uniti per riscoprire una vera e propria gemma nascosta del prog americano di fine anni '70: i Lift e il loro unico, magnifico e sfortunato album “Caverns of Your Brain”.

Rubrica: Storie delle prog band minori: Lift

Mentre la scena americana della seconda metà degli anni '70 era dominata dal cosiddetto AOR e dall'Arena Rock di gruppi come Kansas, Styx e Boston, ad Atlanta nacque una formazione capace di guardare oltreoceano e di assimilare con incredibile classe il lirismo del rock progressivo britannico. I Lift diedero alle stampe nel 1977 l'album "Caverns of Your Brain", una vera e propria gemma nascosta che racchiude una complessità e una bellezza sinfonica di altissima fattura.

Un lavoro travolgente e sfortunato che soffrì di una vicenda discografica tormentata (uscito in origine persino tramite un'edizione non autorizzata) e che non riuscì a trovare la giusta diffusione dell'epoca, finendo per diventare un oggetto di culto conteso tra i collezionisti di tutto il mondo.

Tastiere analogiche e romanticismo sinfonico

Ciò che colpisce fin dal primo ascolto di "Caverns of Your Brain" è la ricchezza degli arrangiamenti e la presenza imponente di tastiere e sintetizzatori analogici d'epoca, sostenuti dal tocco del flauto e da una sezione ritmica impeccabile. La formazione vedeva Chip Gremillion all'imponente arsenale di tastiere (organo Hammond B-3, Mellotron 400, pianoforte elettrico ed acustico, Moog Sonic Six, ARP Odyssey), Cody Kelleher al basso Rickenbacker e alla pedaliera Taurus, Chip Grevemberg a batteria, campane, gong e percussioni, Richard Huxen alle chitarre (elettrica, acustica e steel slide guitar) e Courtenay Hilton-Green alla voce solista e al flauto.

L'uso costante del Mellotron e dei sintetizzatori da parte di Gremillion dona ai brani una profondità epica, impreziosita dai ricami di flauto di Hilton-Green e dai gustosi assoli di chitarra di Huxen.

Caverns of Your Brain (1977): Quattro suite di rara intensità

L'album si sviluppa su quattro composizioni di lunga durata per oltre 36 minuti di pura estasi progressiva:

Simplicity: Il brano di apertura da oltre dieci minuti traccia subito la rotta. Tra intro di Mellotron, stacchi ritmici complessi e la calda voce di Hilton-Green, la traccia evidenzia l'anima più maestosa e sinfonica della band, vicina ai momenti migliori di Yes, Genesis e Gentle Giant.

Caverns: La title-track, un episodio scuro ed evocativo di oltre nove minuti. L'intreccio tra il flauto traverso, la pedaliera Taurus e l'organo Hammond crea un'atmosfera misteriosa e sognante che esplode in un finale di grande sensibilità.

Buttercup Boogie: L'episodio più breve e ritmato del vinile, in cui la band inserisce persino un un tocco di energia Southern-rock ricamato dal lavoro di organo e chitarre.

Tripping Over the Rainbow: La suite finale di oltre undici minuti rappresenta il vertice dell'album. Un lungo viaggio sonoro ricco di arpeggi acustici, aperture di slide guitar, maestose cavalcate di sintetizzatore e cambi di tempo che lasciano un senso di pura meraviglia.

Un destino sfortunato ma un'eredità eterna

La storia dei Lift è quella di una band straordinaria penalizzata dalle disavventure distributive e da un mercato che sul finire del decennio voltava le spalle alle strutture complesse.

Grazie alle successive riscoperte e alle riedizioni su CD e vinile, "Caverns of Your Brain" dei Lift è stato riscattato dall'oblio: un album poetico, potente e raffinato che rappresenta una delle vette più alte del prog americano degli anni '70.

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Rubrica: Brevi Storie delle prog band minori (Capitolo X°) Part. II° (Italia) Pierrot Lunaire

 

Dalla Svezia torniamo per un attimo in Italia per omaggiare una delle formazioni più colte, coraggiose e visionarie di tutta la nostra scena: i Pierrot Lunaire.

Capaci di pubblicare due soli album tanto distanti tra loro quanto straordinari, la band romana ha segnato la storia del prog nostrano muovendosi tra folk camera, avanguardia acustica ed elettronica minimale.

Rubrica: Storie delle prog band minori: Pierrot Lunaire

Poche formazioni nel panorama italiano degli anni '70 possono vantare l'arditezza intellettuale dei Pierrot Lunaire. Nati a Roma dall'incontro tra musicisti di estrazione classica e poetica, il gruppo ha lasciato un'impronta indelebile pubblicando due opere radicalmente diverse nell'arco di soli due anni: due capolavori complementari che meritano entrambi di essere riscoperti e compresi appieno.

Dalle delicate trame folk-sinfoniche dell'esordio alle sperimentazioni d'avanguardia del secondo lavoro, la loro è stata una ricerca sonora unica e senza compromessi.

Pierrot Lunaire (1974): La grazia del prog acustico e da camera

Pubblicato nel 1974 per l'etichetta IT, l'omonimo debutto vede protagonisti Arturo Stalteri (pianoforte, organo, spinetta, Eminent, celesta, percussioni e voce), Vincenzo Caporaletti (chitarre acustiche, classiche, elettriche e a 12 corde, basso, batteria e flauto) e Gaio Chiocchio (sitar, mandolino, voce, chitarra, organo Hammond, piatti e timpani), con la partecipazione di Laura Buffa alla voce su un brano.

L'album è una delicatezza di sapore barocco e pastorale. Privo di una sezione ritmica invadente, il disco vive del dialogo tra le tastiere di Stalteri, gli arpeggi acustici di Caporaletti e i tocchi etnici o classici di Chiocchio.

Le tracce cardine: Brani come Ouverture XV, Raipure, Invasore, Lady Ligeia, Narciso e la lunga Sotto i Ponti evidenziano un gusto raffinato per la melodia, liriche evocative ed echi di musica classica. Un lavoro intimo, poetico e accessibile, sorretto da arrangiamenti curati nei minimi dettagli.

Gudrun (1976): La svolta minimalista e l'avanguardia sonora

A due anni di distanza, e con l'uscita di Caporaletti sostituito dal soprano gallese Jacqueline Darby, il gruppo (ormai ridotto al trio Stalteri-Chiocchio-Darby) firma per l'etichetta RCA il leggendario "Gudrun". Il cambio di passo è radicale: la band abbandona le atmosfere acustiche per addentrarsi in territori sperimentali, minimalisti e d'avanguardia.

Un disco audace dove sintetizzatori, pianoforte preparato, registrazioni al contrario e la voce operistica e drammatica della Darby si fondono in una struttura sonora frammentata e ipnotica.

L'esplorazione sonora: La suite Gudrun (oltre 11 minuti) apre il vinile tra dissonanze, decontestualizzazioni vocali e campionamenti. Episodi come Dietro il silenzio, la decompressa Plaisir d'amour, Gallia, Giovane madre, Sonde in profondità, Morella e Mein Armer Italiener trasformano l'ascolto in un viaggio ipnotico, anticipando di anni le sonorità minimaliste e la musica di ricerca europea.

Due facce della stessa genialità

Mentre l'album d'esordio del 1974 incanta per la sua bellezza poetica e l'impostazione da camera, "Gudrun" del 1976 rimane una pietra miliare dell'avanguardia e del RIO (Rock in Opposition) italiano.

I Pierrot Lunaire hanno dimostrato che il rock progressivo non era solo virtuosismo ed imponenti cavalcate ritmiche, ma anche pura arte sonora, libertà intellettuale e continua trasformazione.

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